JEFF BECK - YOU HAD IT COMING (2001)

Músicos:

Faixas:
Earthquake
Roy's Toy
Dirty Mind
Rollin' and Tumblin'
Nadia
Loose Cannon
Rosebud
Left Hook
Blackbird
Suspension

Jeff Beck is a name synonymous with the electric guitar. With YOU HAD IT COMING, Beck's latest album during his three-and-a-half decades as an Epic recording artist, his name becomes tantamount to innovation, as the guitarist continues to experiment with modern, cutting-edge music. YOU HAD IT COMING finds the legendary British musician further enthralled by the nature of sound. "It's almost a chosen path for me by someone else, because I was never a singer," Beck says of his songwriting. "Without a vocal, you've got to concentrate on what people hear. Sound is everything." The predominantly instrumental album is bounded by a collage of drum loops and digital-age wizardry, all at the service of Beck's signature guitar playing. "I view technology as a friend -- there's no use messing around with enemies," he says. I first ran across some electronic music 30 years ago, and I assumed it would be coming along much sooner than it did. I thought, 'If only you could get that sound on a guitar.'" The outcome of his prolonged interest is YOU HAD IT COMING, a project that combines the tones and technology of the new millennium with the skill and credibility of experienced hands. After releasing last year's Grammy-nominated Who Else! , Beck's first album of original music in a decade, the musician spent much of 1999 on tour with his newly assembled band. This was quite an about face for the celebrated guitarist, who hadn't been particularly prolific during the previous two decades, instead consuming time through his other passion of tinkering with vintage cars. But a subtle revelation paved the route for back-to-back recordings. "It was trying to come to terms with the fact that I didn't want to stop playing," he admits. "The thing looking me in the face was, 'If you don't play Jeff, you're not going to play.' After 120-odd gigs, including people's back gardens in Italy, I didn't want to go all through that for nothing -- to lose track of the band and go into recession again." Quite the opposite happened, with Beck holing up in London's Metropolis Recording Studio with his band (guitarist Jennifer Batten, bassist Randy Hope-Taylor and drummer Steve Alexander) programmer Aiden Love and producer Andy Wright. ("Andy, we call him 'the trawler,' Beck quips. "Because everything I play he trawls through, like a fishing boat, to get all the good bits.") The collaboration resulted in a record that joins the distinguished pantheon of his prior milestones: Truth, Blow By Blow and Wired -- still among the best selling guitar albums of all time. Opening YOU HAD IT COMING is "Earthquake," a tune emblematic of Beck's new approach, fueled by a hammering distorted riff that alternates time signatures between 6/4 and 5/4. The tumultuous tune is so named because "an earthquake represents the opening up of a new world, whilst giving the old one a good shaking " Beck returns to his roots with "Rollin' and Tumblin'," a swampy blues gem that has inspired previous interpretations by Muddy Waters, Cream and Canned Heat. "Rollin' and Tumblin' is something which has been lurking in my cupboard for 25 years," Beck says. "I've wanted to do a hot-rod version of that, but the drummers were never right and the singers weren't there." Beck found his ideal vocalist in Imogen Heap, a young Londoner whose scorching take on the tune was recorded in one pass. Perhaps the quirkiest cut is "Blackbird," which finds the ex-Yardbird collaborating with an unnamed feathered friend. "Round about spring, a blackbird sings loudly up on my roof," he says. "Although I didn't record that bird, I got a tape of a blackbird and started jamming with him. If you listen, the notes the bird is singing are almost beyond human hearing, but the actual punctuation and tonal things are there. I aped the bird as close as I could, and we all had a good laugh with that one." The guitarist considers YOU HAD IT COMING’s standout track to be "Nadia," written by Indian musician Nitin Sawhney, whom Beck describes as "a genius -- like an Asian Stevie Wonder." Beck remembers first shuffling through Sawhney's CD while driving home. "I couldn't believe the diversity of the tracks. I stopped on 'Nadia' and I almost crashed the car, because it was such a refreshing, almost commercial, Indian song. I started whistling bits of it, then I thought, 'What am I waiting for? This is custom made for me.'" Not one to employ an arsenal of custom-made gear, Beck stuck with a single guitar and amp (a modified white Fender Stratocaster and a Marshall JCM 2000) for the majority of the recording. It's still a mystery how he can pull so many sonic elements out of such a limited setup. But that is an enigma that has applied to the guitarist for decades. Beck has been credited with inventing techniques and sounds that are so common within the rock lexicon that it's difficult to envision the style without it. He is regarded as the first rock guitarist to use distortion and Eastern-influenced droning riffs, as well as the earliest to popularize the talk box (called a mouth bag in England), years prior to Peter Frampton's "Do You Feel Like We Do." Has Beck ever invented something he didn't get credit for? "I suppose the most unnoticed in my style, and probably the best things, were some of those slippery licks," he says. "The illusions that I can do with some triplet scales, people have sort of brushed them aside for something more gimmicky -- which is something people will do. Jimi Hendrix gets remembered for setting fire to his guitar almost more than for playing it." So is Beck the world's greatest living rock guitarist? "Nope," he says emphatically. "That's the most ridiculous thing to start those kind of sweeping titles. I don't see why everybody has to make everything the best. 'Is it the best? Is it the fastest? How fast does this car go, mate?' It's not a contest. We're all different. It's like asking which is the best breakfast. It's not a question of that; it's what you fancy. I'm not in the business of making self-appraisals. As long as there's something original going on, that's all that really matters."
(Jeff Beck's official homepage)

BLUES ANO 3000

Este disco é um trabalho diferenciado de um guitarrista que atingiu um nível técnico tal, que seus sons tirados da guitarra não mais se assemelham a solos tradicionais ou previsíveis de escalas e notas em abundância, sejam bem tocadas ou não. Beck extrai sons guturais de sua guitarra e apresenta aqui a simbiose entre instrumento e domador, onde literalmente o que pensa, ele faz.

Assina sete das dez músicas do disco, mas sozinho só compôs uma, e de um minuto e vinte e sete segundos.O disco, apesar das 10 músicas, tem só 34 minutos gravados. Para o segundo milênio, Era CD/DVD, lançar um disco com duração de disco de vinyl e "soluções" experimentais geniais na guitarra, e um tanto indigestas e de difícil assimilação, é quase que uma simbologia para alguém que esteve no passado criador do Rock, como o conhecemos hoje, e para o "mercado" atual de guitarristas em carreira solo. Beck assim parece prever o futuro daquele, e deles.

Este não é um disco semelhante a nada postado de Beck abaixo, mas uma evolução daquilo, naquilo que um artista que continua a se aprimorar com o passar dos tempos pode chegar, não estacionando em um modelo que o represente ou rotule.

Ouvindo um disco como esse me vem à cabeça uma questão que sempre tive em mente: se vivo, que tipo de som Hendrix estaria tocando? Bom, Beck teve a oportunidade de mostrar.

Os gênios sempre evoluem. No ano 3000 talvez toquem Blues assim.

Para iniciados.
(http://masonspipe.blogspot.com/2008/04/jeff-beck-you-had-it-coming-2000.html)

CD-DVD REVIEWS: O BLOG

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www.tamborcarioca.com

MILTON NASCIMENTO - CLUBE DA ESQUINA

Músicos: Milton Nascimento ( vocal, violão, piano e vila), Robertinho Silva (bateria e percussão), Rubinho (tumbadora), Lô Borges (guitarra, viola, percussão e vocais), Alaíde Costa (vocais), (guitarra, violão de 12 cordas, viola e vocal), Paulo Moura (sopros), Wagner Tiso (teclados), Luiz Alves (baixo e caxixi), Nelson ângelo (guitarra, piano e percussão), Paulinho Braga (percussão), Beto Guedes ( baixo, percussão, viola e vocal), Toninho Horta (guitarra, percussão e vocal), Luiz Gonzaga (vocal), Tavito (guitarra, viola, violão de 12 cordas e vocal).

Faixas:


A classic double LP recorded in 1972 by Milton Nascimento and Lô Borges, the album had orchestrations from Eumir Deodato and Wagner Tiso under the conduction of the renowned clarinetist/composer/orchestrator Paulo Moura. The title Clube da Esquina is related to the gang of mineiros (people from the Minas Gerais state) that populate this release, either singing compositions or vocal/instrumental performances, like Nascimento and Borges themselves: Wagner Tiso, Beto Guedes, (...) Tavito, Toninho Horta, Márcio Borges, Ronaldo Bastos, and Fernando Brant, among others. The album covers a great number of Clube da Esquina hits, like "Tudo Que Você Podia Ser," "Cais," "O Trem Azul," "Caravo E Canela," "Um Girassol da Cor do Seu Cabelo," "San Vicente," "Clube da Esquina No. 2," and so many others, with the competent backing of some of the best musicians in Brazil, including bassist Luiz Alves and percussionist Robertinho Silva. A must-have.
(Alvaro Neder - All Music Guide)

THE BEATLES - LET IT BE (1970)

Get Back
Em 1969, Paul teve a idéia de gravar o álbum e documentário Get Back (volte em português) planejado para ser uma "volta às raízes". Paul tinha grande vontade de ver os Beatles tocando ao vivo novamente, idéia que não agradava ao resto da banda. E em comum acordo eles resolveram gravar um álbum como se fosse ao vivo, assim como foi feito no primeiro álbum dos Beatles, Please Please me. Para isso até fizeram uma foto no mesmo local da capa de Please Please me só que agora um pouco mais velhos.
As música foram gravadas em Twickenham Studios e no final, os Beatles gravaram 7 músicas em uma espécie de mini-show no telhado dos estúdios da Apple em Saville Row, até a polícia pedir para o grupo parar, visto o tumulto nas ruas. Foi a última apresentação pública dos Beatles, em 30 de Janeiro de 1969.
Resolveram engavetar Get Back, até que o documentário ficasse pronto. Mas a filmagem captou menos uma banda voltando às origens do que um grupo se esfacelando.
Após alguns meses separados, em Julho resolveram terminar sua carreira de maneira digna. Chamaram George Martin e gravaram Abbey Road, o último disco "oficial".


Let It Be
A última sessão de estúdio dos Beatles foi em 3 de Janeiro de 1970, quando Paul, George e Ringo encontraram-se para terminar "I Me Mine", de Harrison, que entraria em Get Back. Dois meses depois, John deu as fitas de Get Back para o produtor estadunidense Phil Spector "retrabalhar".
Spector pegou uma "jam session", "Dig It", e outras conversas entre as gravações, alongou "I Me Mine", desacelerou e acrescentou cordas a "Across the Universe" e colocou cordas e coral em "The Long and Winding Road". "Get Back" também foi editada, com a parte em que Paul fala, como um bluesman, cortada.
Spector remixou tudo e transformou Get Back em Let It Be. O álbum foi lançado em maio, em um box-set com um livro, cheio de fotos da gravação.
Diversas gravações feitas nas sessões de Get Back nunca foram lançadas oficialmente mas fizeram parte de vários álbuns bootlegs.


Let It Be..Naked
Paul não soube da ação e pediu a Spector para refazer suas canções - mas não foi ouvido. Embora John tivesse gostado do resultado, Paul detestou-o - e em 2003, lançou o álbum que ele queria, Let It Be...Naked, sem todas as alterações e mixagens. As conversas e "jam sessions" aparecem num disco extra, com 21 minutos: Fly on the Wall (Mosca na Parede).
O lançamento oficial do disco no Brasil aconteceu no dia 22 de novembro de 2003.


Faixas
A maioria das canções tem a participação do tecladista Billy Preston, que os Beatles conheceram em Hamburgo.
Two of Us (Lennon-McCartney) ouça
Dig A Pony (Lennon-McCartney)
Across the Universe (Lennon-McCartney)
I Me Mine (Harrison)
Dig It (Lennon-McCartney-Harrison-Starkey)
Let It Be (Lennon-McCartney)
Maggie Mae (tradicional,arranjo por Lennon-McCartney)
I´ve Got a Feeling (Lennon-McCartney)
One After 909 (Lennon-McCartney)
The Long and Winding Road (Lennon-McCartney)
For You Blue (Harrison)
Get Back (Lennon-McCartney)

(Wikipedia)

PINK FLOYD - THE DARK SIDE OF THE MOON (1973)

Músicos: Roger Waters, David Gilmour, Rick Wright e Nick Mason + Dick Parry (saxofones), Clare Torry (voz em "The great gig in the sky), Lesley Duncan, Doris Troy, Barry St. John e Liza Strike(backing vocais).

Faixas:
Speake to me/Breathe
On the run
Time
Breathe (reprise)
The great gig in the sky
Money
Us and them
Any colour you like
Brain damage
Eclipse


Apesar de ser um grupo que nunca teve êxito com os singles, The dark side of the moon, álbum de 1973, conseguiu colocar a faixa Money no Top 20 americano, e mais importante ainda o facto deste álbum se ter mantido no Top 100 durante mais de uma década, quebrando uma série de recordes e tornando-se um dos álbuns mais vendidos de todos os tempos. Tratou-se de um álbum conceitual que lidava de temas como a loucura, a neurose e a fama, e que devido ao uso do novo equipamento de gravação de 16 faixas do estúdio de gravação Abbey Road Studios e ao grande investimento de tempo por parte do engenheiro de som Alan Parsons, estabeleceu novos padrões para a fidelidade do som

Estima-se que 1 em cada 14 pessoas com menos de 50 anos, nos EUA tenha uma cópia deste álbum.
O tema de Dark side of the moon terá sido em parte precipitado pela saída de Syd Barrett um dos membros fundadores dos Pink Floyd.
O álbum contém alguns dos mais complicados usos dos instrumentos e efeitos sonoros existentes à altura, incluindo o som de alguém correndo à volta de um microfone e a gravação de múltiplos relógios a tocar ao mesmo tempo. Uma versão quadrifónica, foi também editada com novas misturas. Durante as gravações os Pink Floyd desenvolveram novos efeitos tais como gravações em duas pistas das vozes e guitarras (permitindo a David Gilmour harmonizar consigo próprio impecavelmente), vozes dobradas e efeitos estranhos com ecos e separação dos sons entre os canais. Até hoje, Dark side of the moon é uma referência para os audiófilos que o usam para testar a fidelidade, dos equipamentos de áudio.
Outra característica do álbum são os trechos de diálogos entre as faixas. Os Pink Floyd entrevistaram várias pessoas, perguntando-lhes coisas relacionadas com os temas centrais do álbum, como a violência e a morte. O roadie “Roger The Hat aparece em mais que uma (give ‘em a quick, short, sharp, shock...”, “live for today, gone tomorrow, that’s me...”). A frase no fim do álbum “there is no dark side of the moon really…matter of fact it is all dark” é do porteiro do estúdio na altura, Jerry Driscoll. Paul McCartney foi também entrevistado mas as suas respostas foram consideradas demasiadamente cautelosas para serem incluídas
Nos EUA, Dark side of the moon é o 18º álbum mais vendido de sempre, tendo permanecido 740 semanas nas tabelas da Billboard magazine, tendo no seu período mais longo permanecido 591 semanas consecutivas. O álbum chegou a Nº 1 nos EUA, Bélgica e França, até em 2002, 30 anos após o seu lançamento, foram vendidas nos EUA mais de 400,000 cópias, fazendo do álbum o 200º mais vendido desse ano. Em 2003 mais de 800,000 cópias do híbrido SACD de Dark side of the moon foram vendidas apenas nos EUA. “Time”, “Money”, e “Us and them” foram bastante tocadas nas rádios (sendo o single “Money” um sucesso de vendas também.
Dark side of the moon foi editado em “Super Audio Compact Disc” (SACD), com uma mistura de som surround 5.1 DSD a partir das fitas de estúdio de 16 faixas, por ocasião do 30º aniversário do seu lançamento. Tornou-se algo surpreendente o facto de James Guthrie ter sido chamado para fazer a mistura do SACD em vez de Alan Parsons, engenheiro do LP original. Esta edição do 30º aniversário ganhou 4 prémios do “Surround Music Awards” de 2003.
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Wizard of Oz
Quando o álbum é tocado simultaneamente com o filme de 1939 The Wizard of Oz (O Mágico de Oz, no Brasil, O Feiticeiro de Oz, em Portugal) ocorrem algumas correspondências entre o filme e o álbum. [1]. Por exemplo o som da caixa registadora no princípio de “Money” aparece exactamente quando Dorothy pisa pela primeira vez a estrada dos tijolos amarelos, que é também o momento em que o filme passa de preto e branco para cores, no momento em que a bruxa má aparece é tocada a palavra black, a bater de coração no fim do álbum ocorre quando Dorothy tenta ouvir o coração do homem de lata, e muito mais. A banda insiste que isso são puras coincidências.
Quando este facto começou a vir a público em 1997, despoletou um enorme interesse neste fenómeno. Uma pequena comunidade espalhou-se à volta de vários 'sites' [2] para explorar melhor esta ideia. Quer as correspondências sejam verdadeiras ou imaginadas, alguns fãs do álbum gostam de ver "Dark side of the rainbow", como é chamada muitas vezes esta combinação. A sincronização é conseguida fazendo pausa (de preferência a versão em CD) mesmo no principio e parando a pausa quando o leão da MGM ruge pela terceira vez. Os membros dos Pink Floyd desmentem qualquer relação entre o álbum e o filme num MTV especial sobre o grupo em 2002. Eles afirmam que não poderia esta relação ser planejada por não poderem reproduzir o filme no estúdio, visto na altura não existirem ainda os videogravadores (videocassetes).
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"Está bem equilibrado e bem construído, dinâmica e musicalmente e eu acho que o humanismo apresentado é bastante apelativo. É satisfatório. Penso também que é o primeiro álbum deste género. As pessoas citam muitas vezes S F Sorrow dos The Pretty Things de serem de um molde similar - foram feitos no mesmo estúdio e sensivelmente na mesma altura - mas eu penso que terá sido provavelmente o primeiro completamente coerente que foi feito. Um concept album, mate! Sempre pensei que teria um êxito extraordinário. Tive o mesmo pressentimento em relação a The Wall. [...] mas claro, "Dark side of the moon" acabou com os Pink Floyd de uma vez por todas. Ter tanto sucesso é o objectivo de qualquer grupo e quando o atingimos, é o fim. No meu ponto de vista, eu acho que os Pink Floyd acabaram há tanto tempo como isso."
- Roger Waters - Junho de 1987, com Chris Salewicz

Wikipedia

O quarto álbum mais vendido de todos os tempos - atrás de Thriller (de Michael Jackson), Saturday Night Fever (Trilha do filme Embalos de Sábado a Noite) e Rumours do Fleetowood Mac, e uma das obras primas do rock. Passados 30 anos desde seu lançamento, o famoso "disco do prisma" continua a arrebatar novos admiradores com sua extraordinária unidade, impecável produção e riqueza individual de cada faixa. A exemplo de "Forever Changes" do Love, "Bryter Laiter" de Nick Drake, uma maturidade e articulação raros de se encontrar no universo pop (quantas outras bandas poderiam não apenas citar contextualizar Thoureau como o Floyd fez em "Time"?) . Entre as batidas cardíacas que que abrem e fecham o álbum representando o ciclo da vida se delineiam um rosário de temas que mapeiam as principais neuroses do homem contemporãnio: alienação (Breathe), ansiedade (Time), isolamento (Us and them), ambição (Money) e a insanidade como única saída real (Brain Damage) . O lado escuro da lua representa a obscura alma humana e nem certo sentido tudo se resolve dentro de uma ambiguidade de conceitos: a loucura é explorada sob um manto de racionalidade e a tecnologia de última geração utilizada para construção de uma obra permeada de humanismo trágico. Num outro plano, existe o espectro de Syd Barrett como fonte, o Pink Floyd pôde sustentar uma comparação com The Piper at the Gates of Dawn. Cada trabalho desde More funcionou como um ensaio gradual até a elaboração de uma produto sem arestas.A excelência do material disponível juntou-se a experiência adquirida após 6 anos de estrada e 7 álbuns. Há total distribuição nas contribuições e tanto Gilmour, Waters ou Wright são peças imprescindíveis do resultado final.


Waters comparece com achados poéticos (Sun is the same in relative way but you're older) para melodias já prontas como "Time" e quando em "Brain Damage", por exemplo, se aventura a compor música e letra. Os versos surgem econômicos e contundentes (You lock the door/and throw away the keys/there's someone in my head but it's not me). Até mesmo Nick Mason, responsável pela edição da fita com vozes de fundo tem uma fundamental participação. Respondendo perguntas do tipo "o que você acha da morte?" ou "Qual foi seu último ato de violência?", pessoas escolhidas aleatoriamente tecem ao longo das canções, comentários paralelos que se integram aquilo que se escuta. Também merecem créditos o produtor Chris Thomas pela mixagem da gravação quadriofônica e Alan Parson pela adesão de efeitos como a caixa-registradora que abre "Money" ou os relógios de "Time". As gravações se iniciaram em Junho de 72 e continuaram em pequenos estúdios até Janeiro de 73, quando o LP foi para as lojas em Março, o grupo, satisfeito com o resultado, aguardava uma entusiástica recepção. O que ninguém podia prever era o nascimento de um fenômeno capaz de resistir ao disco, new have, rap, lambada etc. "Dark Side..." vendeu mais de 20 milhões de cópias, permanecendo 15 anos entre os 200 mais procurados nos Estados Unidos, um recorde ainda hoje, computado no livro dos recordes, o "Guiness Book" e se tornou a óbvio escolha para o primeiro CD lançado na EMI. Segundo a lenda entre Floydianos, as cópias não estavam sendo feitas da matriz e David Gilmour teria ordenado que o erro fosse corrigido imediatamente. A excepcional aceitação levou a EMI- e isto não é lenda-a manter um filial na Alemanha produzindo CD's de "Dark Side..." em tempo integral.

A Review of Dark Side Of The Moon (Rolling Stone)One of Britain's most successful and long lived avante-garde rock bands, Pink Floyd emerged relatively unsullied from the mire of mid-Sixties British psychedelic music as early experimenters with outer space concepts. Although that phase of the band's development was of short duration, Pink Floyd have from that time been the pop scene's preeminent techno-rockers: four musicians with a command of electronic instruments who wield an arsenal of sound effects with authority and finesse. While Pink Floyd's albums were hardly hot tickets in the shops, they began to attract an enormous following through their US tours. They have more recently developed a musical style capable of sustaining their dazzling and potentially overwhelming sonic wizzardry. The Dark Side of the Moon is Pink Floyd's ninth album and is a single extended piece rather than a collection of songs. It seems to deal primarily with the fleetingness and depravity of human life, hardly the commonplace subject matter of rock."Time" ("The time is gone the song is over"), "Money" ("Share it fairly but don't take a slice of my pie"), and "Us And Them" ("Forward he cried from the rear") might be viewed as keys to understanding the meaning (if indeed there is any definite meaning) of The Dark Side of the Moon. Even though this is a concept album, a number of the cuts can stand on their own. "Time" is a fine country-tinged rocker with a powerful guitar solo by David Gilmour and "Money" is broadly and satirically played with appropriately raunchy sax playing by Dick Parry, who also contributes a wonderfully-sated, breathy solo to "Us And Them". The non-vocal "On The Run" is a standout with footsteps racing from side to side successfully eluding any number of odd malevolent rumbles and explosions only to be killed off by the clock's ticking that leads into "Time". Throughout the album the band lays down a solid framework which they embellish with synthesizers, sound effects and spoken voice tapes. The sound is lush and multi-layered while remaining clear and well-structured. There are a few weak spots. David Gilmour's vocals are sometimes weak and lackluster and "The Great Gig in the Sky" (which closes the first side) probably could have been shortened or dispensed with, but these are really minor quibbles.The Dark Side of the Moon is a fine album with a textural and conceptual richness that not only invites, but demands involvement. There is a certain grandeur here that exceeds mere musical melodramatics and is rarely attempted in rock. The Dark Side of the Moon has flash -- the true flash that comes from the excellence of a superbperformance.Loyd Grossman, Rolling Stone, 5-24-73.
By condensing the sonic explorations of Meddle to actual songs and adding a lush, immaculate production to their trippiest instrumental sections, Pink Floyd inadvertently designed their commercial breakthrough with Dark Side of the Moon. The primary revelation of Dark Side of the Moon is what a little focus does for the band. Roger Waters wrote a series of songs about mundane, everyday details which aren't that impressive by themselves, but when given the sonic backdrop of Floyd's slow, atmospheric soundscapes and carefully placed sound effects, they achieve an emotional resonance. But what gives the album true power is the subtly textured music, which evolves from ponderous, neo-psychedelic art-rock to jazz fusion and blues-rock before turning back to psychedelia. It's dense with detail, but leisurely paced, creating its own dark, haunting world. Pink Floyd may have better albums than Dark Side of the Moon, but no other record defines them quite as well as this one.

The Dark Side of the Moon deals conceptually with the pressures of modern life that can drive normal human beings to insanity: materialism, the increased pace of life and travel, the encroachment of old age and death, the inhumanities of society and armed conflict. These themes are not just delivered with words, but are suggested with sounds and lyrics. For example, the sound of an airplane crash in the track "On the Run" represents a fear of flight. "Time" discusses how quickly life can slip by those who are unaware of it, using actual alarm bells to wake the listener. "The Great Gig in the Sky", which had a working title of "The Mortality Sequence", comments on the nature of death. The lyrics and sound effects of "Money" flippantly endorse greed for ironic effect, and states that it is "the root of all evil today". "Us and Them" deals with interpersonal conflict and the insanity of warfare. The meaning of "Any Colour You Like" is not as clear as the other songs, but it is thought to represent the fear of taking risks when taking choices - the song title came from an answer frequently given by a studio technician to questions put to him: "You can have it any colour you like", which was a reference to Henry Ford's description of the Model T: "You can have it any color you like, as long as it's black". "Brain Damage" reaches out to the outsiders ("lunatics") who may be the only people that recognise society's faults. It also is about their former member Syd Barrett. Finally, "Eclipse" describes the true essence of a person through the impact they have left on others.
Precursors to the Dark Side concept can be found in many of Pink Floyd's earlier works. The band had previously performed a conceptual piece, The Man and the Journey, based on the everyday life of a man during their 1969 European tour. Roger Waters' lyrical obsession with insanity was in part precipitated by the departure of Syd Barrett (a founding member of Pink Floyd) following his mental collapse. Perhaps most important to the gestation of Dark Side is the song "Echoes" from Meddle, which also deals with interpersonal relationships using progressive ambient music. However, the decision to tackle individual parts of life in an album-length concept work is said to have been conceived during a band meeting in Nick Mason's kitchen circa late 1971.
Roger Waters wrote all of the lyrics (a first for Pink Floyd), and created the early demo tracks in a small garden shed-turned-recording studio near his house.
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Recording
Recorded at Abbey Road Studios between June 1972 and January 1973, the album sessions made use of the most advanced techniques available for recording instruments and sound effects in rock music at that time. Along with the conventional rock band instrumentation, Pink Floyd added prominent synthesizers to their sound, as well as some unconventional noises: an assistant engineer running around the studio's echo chamber (during "On the Run"), myriad antique clocks chiming simultaneously (as the intro to "Time"), and a specially-treated bass drum made to sound like a human heartbeat (at the beginning and end of the album).
Another novelty found on Dark Side is the metronomic sequence of sound effects played during "Speak to Me" and "Money". This was achieved by laboriously splicing together recordings of ringing cash registers, clinking coins, tearing paper, and buzzing counting machines onto a two-track tape loop (later adapted to four tracks in order to create a unique "walk around the room" effect in quadrophonic presentations of the album). Pink Floyd also perfected the use of other studio techniques such as the doubletracking of vocals and guitars (allowing David Gilmour to harmonise flawlessly with himself), flanging effects, odd trickery with reverb and the panning of sounds between channels. To this day, audiophiles use The Dark Side of the Moon as a reference standard to test the fidelity of audio equipment, despite the fact that it was originally mixed from third-generation tape with Dolby noise reduction.[1]
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Voices
Snippets of dialogue between and over the top of the songs are also featured on the recording. Roger Waters devised a method of interviewing people, whereby questions were printed on flashcards in sequential order and the subject's responses were recorded uninterrupted. The questions related to central themes of the album, such as madness, violence and death. Participants were commandeered from around Abbey Road, placed in the darkened studio in front of a microphone, and told to answer the questions in the order which they were presented. This provoked some surprising responses to subsequent questions; for example, the question "When was the last time you were violent?" was immediately followed by "Were you in the right?" [2]
Recordings of road manager Roger "The Hat" Manifold were the only ones obtained through a conventional sit-down interview, as the band members couldn't find him at the time and his responses (including "give 'em a quick, short, sharp shock..." and "live for today, gone tomorrow, that's me...") had to be taped later, when the flashcards had been lost. Another roadie, Chris Adamson, was on tour with Pink Floyd at the time and recorded his explicit diatribe that opens the album ("I've been mad for fucking years, absolutely years, over the edge for yonks...").
Pink Floyd's executive road manager Peter 'Puddie' Watts (father of actress Naomi Watts) contributed the repeated laughter during "Brain Damage" and "Speak to Me"; the monologue about "geezers" who were "cruisin' for a brusin" and the often-misheard "I never said I was frightened of dying" (during the middle of "The Great Gig in the Sky") came from Peter's wife, Myfanwy 'Miv' Watts.
The responses "there's no reason for it, you've got to go some time" (during "The Great Gig in the Sky") and closing words "there is no dark side of the Moon really... matter of fact it's all dark" (over the "Eclipse" heartbeats) came from the Abbey Road Studios' Irish doorman at the time, Gerry Driscoll. Paul and Linda McCartney were also interviewed, but their answers were considered too cautious for inclusion. McCartney's bandmate Henry McCullough contributed the famous line "I don't know, I was really drunk at the time."
Alan Parsons engineered the album while on staff at Abbey Road. He once said in an interview that he swapped shifts with colleagues in order to work on the whole project.[citation needed]
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Success
The Dark Side of the Moon is one of the best-selling albums of all time worldwide, and the 20th-best-selling album in the United States. It peaked at #1 on The Billboard 200. Though it held the #1 spot for only one week, it spent a record total of 741 consecutive weeks (over 14 years) on that list. It was on the chart from its release until leaving the chart on April 23rd 1988. To this day, it occupies a prominent spot on Billboard's Pop Catalog Chart, reaching #1 when the 2003 Hybrid SACD edition was released and sold 800,000 copies in the U.S. alone. On the week of May 5, 2006, Dark Side of the Moon achieved a combined total of 1500 weeks on the Billboard 200 and Pop Catalog charts.
Sales of the album worldwide total over 40 million as of 2004, with an average of 8,000 copies sold per week and a total of 400,000 in the year of 2002 — making it the 200th-best-selling album of that year nearly three decades after its initial release. It is estimated that one in every 14 people in the U.S. under the age of 50 owns or owned a copy of this album.[3] According to an August 2, 2006 Wall Street Journal article, although the album was released in 1973, it has sold 7.7 million copies since 1991 in the U.S. alone and continues to log 9600 sales per week domestically.[4]
The LP was released before platinum awards were introduced by the RIAA on January 1, 1976, and it initially only received a gold disc. However, after the introduction of the album on CD, Dark Side would eventually be certified Platinum in 1990 and then Diamond by 1999 in America. It is now at 15x Platinum and counting. "Time", "Money" and "Us and Them" remain radio call-in request favourites, with "Money" having sold well as a single in its own right.
The Dark Side of the Moon was re-released as a 30th anniversary Hybrid SACD with a 5.1 channel DSD surround sound version remixed from the original 16-track studio tapes. Some surprise was expressed when longtime producer James Guthrie was called in to make the SACD rather than the original LP engineer, Alan Parsons. This 30th anniversary edition won four Surround Music Awards in 2003, the same year that Rolling Stone magazine named Dark Side of the Moon the 43rd greatest album of all time. The Dark Side of the Moon was also re-released in 2003 on 180-gram virgin vinyl and included reprints of the original posters and stickers that came with the original vinyl release, along with a new 30th anniversary poster.
In 1997, The Dark Side of the Moon was named the 6th greatest album of all time in a 'Music of the Millennium' poll conducted by HMV, Channel 4, The Guardian and Classic FM. In 1998, Q magazine readers placed it at number 10, while in 2001 the United States cable television channel VH1 placed it at number 51.
In 2006, The Dark Side of the Moon was voted the ultimate life changing track (despite being the only full album in the shortlist) in a Music Club poll conducted by the Jeremy Vine radio show on BBC Radio 2.[5]
(Wikipedia)

YES - FRAGILE (1972)

Músicos: Jon Anderson (voz), Steve Howe (guitarra e violão), Rick Wakeman (teclados), Chris Squire (baixo e vocal) e Bill Bruford (bateria e percussão).

Faixas:

Abaixo um texto encontrado na Wikipédia.

Fragile é o quarto álbum da banda britânica de rock progressivo Yes. É mais conhecido pela música "Roundabout", que foi lançada em uma versão editada na forma de single e se tornou o primeiro grande sucesso da banda. Este disco deu início a duas parcerias longas e produtivas: com o tecladista Rick Wakeman e com o artista plástico Roger Dean. Também foi o primeiro disco à alcançar o top 10 trans-atlântico.
Fragile foi lançado no Reino Unido em Novembro de 1971, mas só foi lançado na América do Norte dois meses depois devido ao sucesso de The Yes Album, ainda em evidência.
Diferente dos discos anteriores do Yes, este disco apresentava os talentos individuais dos membros da banda. Isso foi feito para poupar o tempo de gravação e lançar o disco rapidamente, já que a banda precisava de dinheiro para pagar o equipamento de Wakeman. "Cans and Brahms" é uma composição de Johaness Brahms arranjada por Rick Wakeman; "We Have Heave" é uma composição de Jon Anderson aonde ele canta todas as partes vocais, criando várias harmônias (ele viria a usar essa técnica novamente em seu disco solo Olias of Sunhillow); enquanto "Five Per Cent For Nothing", "The Fish" e "Mood For A Day" são de Bill Bruford, Chris Squire e Steve Howe, respectivamente. O restante das músicas são músicas de toda a banda.
Uma versão DVD-Audio foi lançada em 2002, contando com mixagens de som em Dolby Digital e DTS, entre outros extras.

ECLIPSE - JUMPING FROM SPRINGBOARDS (2003)

Músicos: Aloísio Campelo (guitarra, guitarra MIDI, violão e vocal), Patricia Deschamps (guitarra e vocal), Paulo Torres (baixo, teclados e vocal), Sérgio Conforti (bateria e percussão) + Zé Mendes (sax e flauta).

Faixas:
Urban hermit
Inca's revenge
Jumping from springboards
Mantiqueira
Puzzles
Manic waltz
Traffic jam
Ritual


Comentários recolhidos na internet nas línguas originais em que foram publicados.


Maravilhoso e impressionante disco de estréia da banda carioca Eclipse, com arte de Bernard e lançamento conjunto da Rock Symphony e Musea. Influências genesianas e de Renaissance em uma das melhores obras progressivas dos últimos anos no Brasil! Altamente recomendado!!!
(Rock Symphony)

Jumping From Springboards is one of those albums that may have prog fans absorbed in that interminable debate of "is this neo-prog?" Eclipse borrows enough from Yes and Camel, particularly in the guitar and bass styles, that it's tough not to lump them into that category; and yet, they have their own personality which makes me want to call them "modern symphonic prog" or something like that: along the lines of a Halloween or Taal. There's also a dash of jazz-rock here and there, particularly in instrumentals such as "Mantiqueira".
Regardless of how you want to categorize them, Eclipse are pretty clearly quite good at what they do. I think what makes them appeal to me more than most neo-prog or modern symphonic groups is the lack of a cheese factor (a la Glass Hammer or even pop-prog stuff like Spock's Beard). Jumping From Springboards consists almost entirely of very nice melodies played on an array of electric and acoustic guitars, with flute embellishing the main themes and Squire-ish bass holding down the low end. Keyboards make brief appearances here and there, but are fairly uncommon and quite unobtrusive when present. This may be a downside for some, but it seems to work well for this group.
The vocals are perhaps the main point of interest: the singing of Patrícia Deschamps is really pretty impressive - she has a pleasant voice put to good use here, both in the singing of English lyrics (I wasn't bothered by her very slight accent) and in the use of wordless vocals, which are labeled as "scat singing" in the liner notes, but which isn't really scat singing in the jazz sense. Nevertheless, her voice is a definite draw for me. There are also male vocals here and there, and these are more heavily accented and much less impressive.
This is a very breezy, upbeat symph album that should appeal to most any Yes or Camel fan. Not particularly high on the innovation scale, but a pleasant, inoffensive listen for the symphonic prog fan.
review by Brandon Wu — 10-6-03 —


Jumping From Springboards is the debut CD from Brazilian group Eclipse. The quartet comprises electric guitarist and vocalist Aloísio Campelo jr, acoustic guitarist and vocalist Patrícia Deschamps, bass guitarist and keyboardist Paulo Torres and drummer Sérgio Conforti, with flute and saxophone contributions from Zé Mendes. Brazilian prog? Latin American grooves under a syncopated rhythm and a mellotron samba?! Hardly. I confidently assert that if you played any part of this album to someone who hadn't heard of the band and asked where they thought they were from, the last suggestion would be South America and you'd get good odds that the majority would say England. There is a definite English feel to the music, the vocals are sung without a trace of an accent and the lyrics themselves are not only far more erudite and interesting than those proffered by a lot of native English speakers but are also flawlessly typeset (correct punctuation and a complete lack of any 'quaint' Americanisms, long live the diphthong!)
The album is interestingly arranged with each of the four songs, Urban Hermit, Jumping From Springboards, Puzzles and Traffic Jams, separated by an instrumental piece. However, as it is the longer pieces that include lyrics, there is plenty of space within the songs for extended instrumental passages. Overall, the album does have a nice flow to it with tracks merging almost seamlessly.
The style of the album is quite laid back, which is not to say that the arrangements are sparse, there is enough going on within each song to reveal to the listener a different facet of the instrumentation on each listen. Urban Hermit is split into five parts: the ominous introductory section gives way to a more mellow vocal section laden with flute work that is reminiscent of Jimmy Hasting's work with Caravan. A reprise of the opening riff heralds in a more up tempo couple of sections, the first of which has flautist Zé Mendes changing tack to sound more like Jethro Tull's Ian Anderson. The song ends with a final vocal section reprising the earlier section. Inca's Revenge is quite evocative of Hatfield And The North, particularly Patrícia Deschamps' scat singing at the beginning, although there is rather less emphasis on the jazzier side of the Hatfield's idiosyncratic approach to jazz-rock.
Jumping From Springboards is a rather good amalgamation of Camel and Yes and the opening guitar riff, repeated at various points throughout the song, will be instantly familiar to people who know (and love) Yours Is No Disgrace. Mantiqueira also bears some resemblance to Yes with Paulo Torres' bass driving things along in the best Chris Squire fashion. Puzzles is a pleasant ballad which features an interesting, but brief, guitar and vocal interlude that is vaguely reminiscent of early Al Di Meola which is followed by a Gilmouresque solo played by Patrícia Deschamps. The appropriately titled Manic Waltz has a quirky Gentle Giant feel to it and enlivens the tempo before going straight into Traffic Jams, the final song. The album is rounded off by Ritual, another driving bass instrumental that concludes the album as it was started with fluid guitar runs over the top and the introduction of saxophones adding new dimensions.
Overall, Eclipse have come up with a startlingly good debut album, not a progressive classic but certainly enough going for it to sit comfortably alongside other other constituents of the discerning music fan's collection.
Conclusion: 8 out of 10
Mark Hughes


I brasiliani Eclipse sono uno di quei gruppi che sanno come ammaliare l'ascoltatore che tutt'oggi vuole essere catturato dai caldi suoni del rock romantico di derivazione Camel-Genesis. Il quartetto sudamericano si presenta infatti con tutte le carte in regola per farsi apprezzare: melodie incantevoli, impasti elettroacustici, cambi di tempo e di atmosfera, una certa vena malinconica, flauto spesso in evidenza e alternanza del cantato maschile e femminile. Ma, per usare una frase fatta, non è tutto oro quello che luccica e, in quasi cinquanta minuti di musica, si avvertono alti e bassi. I brani più lunghi ("Urban hermit" e la title-track) sono ben strutturati e abbastanza convincenti, così come molto gradevoli risultano quei pezzi in cui è la voce femminile a dettare attimi di sano romanticismo ("Incas' Revenge"), ma ci sono anche dei momenti abbastanza deboli e tutt'altro che efficaci, nei quali i musicisti sembrano limitarsi a svolgere un compitino eccessivamente semplice (emblematico il caso dello scolastico new-prog di "Puzzles"). Inoltre, nei brani cantati, sarebbe stato a mio avviso più logico puntare maggiormente sulla voce femminile, dato che quella maschile sembra insicura, oltre che non del tutto convincente da un punto di vista timbrico. Gli Eclipse, quindi, hanno alcuni punti di forza abbastanza notevoli, ma devono limare alcuni difetti per meritare la più completa considerazione. Il loro album, nel complesso, è più che sufficiente e penso che molti amanti del rock sinfonico più classico lo accoglieranno in maniera benevola. D'altro canto, c'è anche chi mal digerisce certi schemi che ormai non sorprendono più e preferirà giustamente indirizzare altrove le proprie attenzioni.

Jumping from Springboards é o disco de estréia da banda carioca Eclipse, que conta com os excelentes músicos Aloísio Campelo Jr., Patrícia Deschamps, Paulo Torres e Sérgio Conforti. Sucesso de crítica em todo o mundo, o álbum apresenta oito faixas com o melhor do rock progressivo dos últimos anos no Brasil, entre elas, "Urban Hermit", "Inca´s Revenge" e "Manic Waltz", alguns dos destaques. Vale a pena conferir!

Integrado por Aloisio CAMPELO (guitarra), Sergio CONFORTI (batería, percusiones), Patricia DESCHAMPS (voz) y Paulo TORRES (bajo, teclados), ECLIPSE se desarrolló como banda de tributo desde mediados de los '90 hasta principios del 2000. Formalmente eran una banda que interpretaba a PINK FLOYD, mas participaron además en la grabación de dos álbumes tributo: uno a ELP y otro a GENTLE GIANT (de su época tributo a PF no se conoce registro grabado). Entre 2000 y 2001 graban su primer álbum oficial, "Jumping from Springboards", donde se integra como músico invitado Zé MENDES (flauta, saxofón). El álbum vio la luz en 2003 y desde la salida de éste no hay reistro activo de la banda.

Von: Jürgen Meurer @
Eclipse scheint ein beliebter Gruppenname zu sein. Diesmal handelt es sich um ein brasilianisches Quartett, dessen Debütalbum jetzt bei Rock Symphony erschienen ist und bei unseren Lieblingsfranzosen vertrieben wird.
Ich fasse mal die Presseerklärung von Musea zusammen: Die Musik hat viel mit YES zu tun, speziell was die Spielweise des Gitarristen und des Bassisten betrifft, einiges klingt mal wie Camel, mal Hatfield & the North (die Stimme der Sängerin), Mike Oldfield, VdGG und – wie der Name schon vermuten lässt – Pink Floyd. Ein buntes Gemisch also. Kann ich dies bestätigen? Nun ja, ansatzweise schon.
Mit den klassischen YES verbinde ich Symphonik-Bombast, was hier aber nur selten gegeben ist. Gewisse Parallelen zu Howes Gitarrenspiel sind allerdings in der Tat gelegentlich zu erkennen, bei einigen Titeln erinnert es mich eher an Starcastle - und das ist ja bekanntlich nicht so weit weg von Yes. VdGG höre ich mit etwas Phantasie lediglich bei einigen Saxophon-Parts heraus, Camel und Floyd trifft es da gelegentlich schon eher.
Aber, und das ist erfreulich, die Brasilianer präsentieren durchaus Eigenständiges. Und den nachhaltigsten Eindruck hinterließ für mich Gitarrist Aloisio Campelo, der durch differenziertes Spiel, mal laut, mal leise/zurückhaltend, eine eigene Note einbringt und auch für einige Ausflüge in Jazzrock-Bereiche verantwortlich ist. Er setzt recht häufig eine MIDI-Gitarre ein, mit der er –laut Booklet – folgende Sounds zu zaubern vermag (in order of appearance): bass clavinet, bandoneon, trumpet, moog, bells, tuned percussion, choir, ocarina und – aufgepasst! – Mellotron! Dann stellt sich natürlich die Frage, wozu man noch einen Tastenmann benötigt. Live ist das sicherlich eine sehr verblüffende Spielerei (ich habe das mal bei einem gewissen Jay Stapley gesehen), ob das aber im Studio so laufen muss, sei mal dahingestellt. Jedenfalls wäre ich bei dem leicht jazzigen Inca’s Revenge beispielswiese nie auf die Idee gekommen, dass die Trompete nicht echt ist, sondern per Gitarre erzeugt wurde.
Doch auch die gelegentliche Tastenbearbeitung durch den Bassisten, sowie einige Flöten- und Saxophoneinsätze wissen zu gefallen. Jedoch halten sich die Tasten auffallend oft dezent zurück, so dass Gitarrist Campelo automatisch mehr Gewicht erhält.
Der leicht düstere Beginn mit Mellotron und E-Gitarre ließ mich beim 11-minütigen Opener urban hermit aufhorchen, doch der schließlich einsetzende Gesang des Gitarristen relativierte meine Erwartungen dann wieder. Der Gesang des Herrn Aloisio ist eher mittelprächtig, die Arrangements mit Sängerin Patricia Deschamps scheinen mir da besser gelungen zu sein. Da aber auf diesem Album nicht allzuviel gesungen wird, sollte dies niemanden nachhaltig abschrecken.
Gegen Ende des Albums macht sich dann bemerkbar, dass eine Prise Härte dem Album sicherlich gut getan hätte, denn zum Schluss geht ihnen doch ein wenig die Luft aus. Trotzdem bleibt ein insgesamt positiver Gesamteindruck zurück und die Aussicht, dass mit Eclipse eine weitere durchaus talentierte Band aufgetaucht ist. Und als Pluspunkt zähle ich noch dazu, dass sie sich doch deutlich vom typischen Südamerika-Soft-Symphonik-Prog abgrenzen.
Musea versprechen in ihrem Statement den Brasilianern eine große Zukunft – nun ja, den Sprung in die Charts schaffen sie hierzulande sicherlich nicht, aber dem Südamerika-Prog-Sammler bieten sie mit ihrem Debüt eine lohnenswerte Anschaffung.

Despite a name strongly relying on vintage PINK FLOYD, ECLIPSE owes a lot to another British dinosaur of the Seventies-era: YES. This new Brazilian band mixes the so-called South-American symphonism with a personal vision, filled with enthusiasm, of the Anglo-Saxon Progressive rock. The fluid guitar soli played by Aloisio CAMPELO Jr strongly remind Steve HOWE (Jazz influenced), and keyboardist-bassist Paulo TORRES displays melodic lines Chris SQUIRE would have been proud of. The whole is performed with an excellent quality. With such an introduction, one could fear "Jumping From Springboards" (2003) will be a copy of "Fragile" or "Close To The Edge". No way ! The four musicians know how to go beyond their influences: some sequences could evoke as well CAMEL, HATFIELD AND THE NORTH (Guitar player Patricia DESCHAMPS’ singing is sometimes close to Amanda PARSONS’), Mike OLDFIELD, VAN DER GRAAF GENERATOR… And PINK FLOYD ! To conclude, let’s say that ECLIPSE has the true ability to become the new leader of the Brazilian Progressive rock scene. Don’t miss it !


Malgré un nom qui fleure bon le PINK FLOYD grande époque, ECLIPSE doit en réalité énormément à un autre dinosaure britannique de l’ère "Seventies-aire": YES. Cette nouvelle formation brésilienne associe le symphonisme coutumier de l’école sud-américaine avec une interprétation personnelle et réellement enthousiasmante du rock Progressif anglo-saxon. Les soli fluides de guitare délivrés par Aloisio CAMPELO Jr évoquent fortement Steve HOWE (Versant jazz), alors que le bassiste-claviériste Paulo TORRES produit des lignes mélodiques à la complexité digne d’un Chris SQUIRE. Le tout bénéficie d’une qualité d’exécution et de finition absolument irréprochables. Avec une telle présentation, l’on pourrait s’attendre à ce que "Jumping From Springboards" (2003) soit une copie-carbone de "Fragile" ou "Close To The Edge". Il n’en est rien ! Nos quatre compères ont su ne pas s’enfermer dans un carcan: signe d’une variété remarquable, certains passages peuvent également évoquer CAMEL, HATFIELD AND THE NORTH (Le chant de la guitariste Patricia DESCHAMPS rappelle celui de Amanda PARSONS), Mike OLDFIELD, VAN DER GRAAF GENERATOR… Et PINK FLOYD ! En conclusion, l’on peut dire que ECLIPSE possède clairement le potentiel de s’imposer comme le nouveau leader du rock Progressif au Brésil. Ne passez surtout pas à côté !

Nati come cover band dei Pink Floyd, I brasiliani Eclipse, approdano a questo primo album in studio, interamente composto di brani propri. Eclipse, cover band dei Pink, il gioco è fatto.. ti aspetti un clone floydiano al cento per cento! No, tutt’altro.La chitarra pulita, senza sbavature, di Aloìsio Campelo Jr. ricorda i migliori lavori di Latimer.Album lineare, gradevole e raffinato, nella migliore tradizione del progressive sinfonico inglese, con inserimenti azzeccati di flauto e sax. La voce di Aloìsio Campelo e di Patricia Dechamps non eccelle in particolari estensioni, le poche parti cantate arricchiscono il brano creando piacevole l’insieme. Non ci sono particolari virtuosismi, a parte l’impennata del brano Manic Waltz, dove percepiamo sui cambi dei tempo un vago riferimento a Relayer degli Yes.Ma non cerchiamo i confronti a tutti i costi: Jumping from Springboard è un buon album, piacevole, da ascoltare e riascoltare senza stancarsi.Un’altro ottimo lavoro arrivato dal Brasile, paese che non finisce mai di sorprenderci. Buon ascolto!

Voici un nouveau groupe brésilien qui doit beaucoup à l'école de Canterbury. Eclipse est très proche du Camel des débuts, leur rock progressif se ressent également des influences du Van der Graaf Generator de Peter Hammill et à certains moments de Mike Oldfield.Lorsqu'on découvre le premier morceau "Urban Hermit", c'est indéniablement à Camel que l'on pense excepté sur sa 5ème et dernière partie où la voix est typée Hammill.L'album alterne entre morceaux chantés et instrumentaux. Les vocalises de la guitariste Patrícia Deschamps saupoudrent le tout et habillent le chant de l'autre guitariste, mâle cette fois. C'est la guitariste qui chantera le morceau titulaire avec sa voix aérienne, voix qui s'avèrera parfois lassante. Par contre, celle d'Aloísio Campelo Jr. convient particulièrement bien à la musique d'Eclipse."Puzzles" nous fera alterner entre influences caméliennes et floydiennes. Sans doute le plus complet des morceaux avec "Urban Hermit". C'est aussi le plus actuel.Dans l'ensemble, c'est très bien produit et parfaitement joué. Mais, musicalement, cela date un peu. L'album plaira aux amateurs de Camel et de l'école de Canterbury en général.

Une fois n'est pas coutume, Le Brésil nous présente Eclipse, un groupe original qui évolue dans le rock progressif. Quatuor doté d'un talent à faire rêver Pink Floyd, Mike Oldfield ou Camel, Eclipse associe le lyrisme sud-américain et le rock anglo-saxon avec une maestria époustouflante. Outre les instruments traditionnels tenus par Aloisio Campelo Jr. (guitare et voix), Patricia Deschamps (guitare et voix), Paulo Torres (basse, claviers) et Sergio Conforti (batterie), on découvre quelques parties de flûte et de saxo qui sont l'œuvre de Zé Mendes. Fortement influencé par Yes, le groupe ne se contente pas d'en être une pâle copie mais choisit au contraire de diversifier son approche musicale pour lui donner un cachet tout aussi inattendu que sympathique … Leader du rock progressif en Amérique du Sud, Eclipse a les épaules d'un des colosses du genre dans le reste du monde.
_Eclipse trouve d'entrée de jeu le ton juste et élève le sujet d'un ton. Ambiance feutrée, fraîcheur bienvenue, guitares aériennes et mélodies enchanteresses, tout est réglé sur les fréquences charme et bonheur. Composés et arrangés de façon ingénieuse, les morceaux sont tour à tour des œuvres épiques ou des instantanés précis. Eclipse se distingue par des lignes mélodiques pointilleuses mais aussi par une diversité impressionnante au niveau du chant. Sortant des travées parcourues par leurs maîtres, les Brésiliens regorgent d'idées inventives qui apportent autant de douceur à une musique qui en devient cotonneuse à souhait. On appréciera les symphonies modernes que sont " Urban Hermit " et " Ritual " tout autant que les tempos ouatés des magiques " Mantiquera ", " Puzzles " ou " Inca's Revenge ". Le côté relaxant de " Jumping From Springboards " fera d'Eclipse une des étapes privilégiées de tous les amateurs de musique volubile et techniquement parfaite. Un album hautement reposant !
Fred DELFORGE - 01 septembre 2003

So here we have another Brazilian band with the (not quite spectacular) name ECLIPSE that might lead to the conclusion that we can expect some Floyd-ish sound. But this is not the case at all rather can we listen on “Jumping From Springboards“ to some very pleasant modern progressive rock that is really not that much derivative and moreover not similar at all to the usual Retro Prog produced by bands like Glass Hammer, Spock's Beard or Flower Kings which is very welcome at least to me. Reminiscences to seminal bands are absolutely marginal like Squire-ish bass or female vocals that remind to Hatfield & the North. The compositions are highly versatile and are ranging from rather mellow ones to more upbeat but never harsh ones, just very good modern symphonic prog (NOT neo prog) with a dash of jazz-rock here and there. Keyboards are playing a quite subsidiary role what I’d like to add as an advantage (all keyboard freaks will be appalled!) remembering all those newer bands using squeaky synths tunes in a exaggerated manner. The music really does not suffer at all from this since guitarist Aloisio Campelo uses quite often a MIDI-guitar that enables him to emulate instruments like clavinet, bandoneon, trumpet, moog, bells, tuned percussion and – as well – Mellotron. The (often wordless) vocals by Patrícia Deschamps are very pleasant, more than the (occasional) male ones which are not superb but not disturbing or annoying neither. Any the instrumental parts are prevailing here and some tracks like "Mantiqueira" for example where the jazz-rock touch is most obvious manage without any vocals apart from some wordless ones. Overall I can summarize my fully positive and astounding impression of this album by saying that ECLIPSE is next to INDEX for sure one of best prog bands coming from Brazil nowadays and is absolutely able to provide a quality in their music that comes very close to the one in BACAMARTE’s. Moreover it’s far away from the usual schmaltzy symphonic prog coming from that area. Highly recommended to every prog fan looking for something different than the common standards!

BILL BRUFORD'S EARTHWORK - A PART, AND YET APART (1999)

Músicos: Bill Bruford (bateria)


Faixas:
No Truce With The Furies
A Part, And Yet Apart
Some Shiver, While He Cavorts
Footloose And Fancy Free
Sarah's Still Life
The Emperor's New Clothes
Curiouser And Curiouser
Eyes On The Horizon
Dewey-Eyed, Then Dancing

Bill Bruford's Earthworks: Bill Bruford (drums); Patrick Clahar (soprano & tenor saxophones); Steve Hamilton (piano, keyboards); Mark Hodgson (bass).Recorded at Livingston Studios, London, England in November 1998.This is an Enhanced CD, which contains both regular audio tracks and multimedia computer files.In 1998 drummer Bill Bruford reformed his long-running group, Earthworks, as an acoustic quartet. Long known as a champion of the electric avant-garde, A PART, AND YET APART is Bruford's foray into the acoustic jazz mainstream, albeit with his own unique slant on the subject. The group features three other stunning musicians including Steve Hamilton (piano), Mark Hodgson (bass) and Patrick Clahar (saxophone). It is Bruford, however, that is the underlying force that drives this musical machine; his keen sense of taste and incomparable grasp of the rhythmically peculiar is unmistakable and present in every note of the session.The use of odd time signatures is prevalent on most pieces including the funky opener "No Truce With The Furies" and the very percussive "Footloose And Fancy Free," featuring a staggering solo by the leader. A traditional approach is always employed, however, as on more swinging selections like the mellow title track and the boisterous "Some Shiver, While He Cavorts." Bruford's ballad "Sarah's Still Life" offers a quiet respite before the group launches into the adventurous "The Emperor's New Clothes." Other highlights of this brilliant session include the swinging "Curiouser And Curiouser" and the blisteringly quick bopper "Eyes On The Horizon."
(Disco Web)

SUPERTRAMP - BREAKFAST IN AMERICA (1979)

Músicos: Roger Hodgson (vocal, guitarra e teclados), Rick Davies (vocal e teclados), John Anthony Helliwell (sopros e vocal), Dougie Thompson (baixo) e Bob C. Benberg (bateria e percussão).




Músicas:
Gone Hollywood
The Logical Song
Goodbye Stranger
Breakfast In America
Oh Darling
Take The Long Way Home
Lord Is It Mine
Just Another Nervous Wreck
Casual Conversations
Child Of Vision

Texto da Wikipedia.

Breakfast in America is the sixth album by the band Supertramp, released in 1979. It was recorded the previous year at the Village Recorder in Los Angeles. The album featured four hit singles: "The Logical Song" (#6), "Goodbye Stranger" (Top 20), "Take the Long Way Home" (#10), and the title cut.
Tensions between band members Roger Hodgson and Rick Davies started to come to the fore on this album. When Hodgson was interviewed for an episode of In the Studio with Redbeard devoted to the making of the album, he remarked "Rick (Davies) didn't like the song "Breakfast in America" and didn't want it on the album. He also didn't want the album to be titled Breakfast in America either and I guess I won out on both accounts". Davies originally opted for either Working Title or Hello Stranger as Breakfast in America's album title.
The album's front cover was designed by the late Mike Doud and depicted Kate Murtagh as a Statue of Liberty figure holding a glass of orange juice instead of a torch and the background featured a city made from cornflake box, ashtray, cutlery (for the wharfs), eggboxes, vinegar, ketchup and mustard bottles, all spraypainted white. The twin World Trade Center towers appear as two stacks of boxes and the plate of breakfast represents Battery Park where the Staten Island Ferry leaves from. The back cover photo, depicting the band members having breakfast while reading their respective hometown newspapers, was taken at a diner called "Bert's Mad House."
Despite the turmoil, Breakfast in America became Supertramp's biggest selling album with over 4 million copies sold in the US alone to date (15 million copies worldwide) and was #1 on Billboard's Pop Albums Chart for six weeks in the spring and summer of 1979. The album also hit #1 in Norway, Europe, Canada and Australia.

CHICO BUARQUE - CONSTRUÇÃO (1971)

Faixas:

Deus lhe pague

Cotidiano

Desalento

Construção

Cordão

Olha Maria

Samba de Orly

Valsinha

Minha história (Gesubambino)

Acalanto

LED ZEPPELIN - LED ZEPPELIN (1969)

Músicos: Robert Plant (vocal e gaita), Jimmy Page (guitarra, violão e backing vocal), John Paul Jones (baixo, órgão e backing vocal) e John Bonham (bateria e backing vocal) + Viran Jasani (tablas).

Faixas:
Good times bad times
Babe I'm gonna leave you
You shook me
Dazed and confused
Your time is gonna come
Black Mountain Side
Communication Breakdown
I Can't Quit You Baby
How Many More Times

Texto da Wikipédia.

Pouco tempo após a sua primeira digressão, o grupo editou o seu primeiro álbum Led Zeppelin em 1969. Este álbum resultava de uma combinação entre o blues e o rock com amplificações distorcidas, o que o levou a tornar-se no pivot na evolução do heavy metal. O imediato sucesso do disco foi o pontapé de saída para a carreira da banda, especialmente no EUA, onde eles haveriam de actuar frequentemente, e onde as suas vendas de discos apenas foram suplantadas pelos Beatles.

Led Zeppelin: Robert Plant (vocals, harmonica); Jimmy Page (acoustic, electric, & pedal steel guitars, background vocals); John Paul Jones (organ, bass, background vocals); John Bonham (drums, tympani, background vocals). Additional personnel: Viram Jasani (tablas). Recorded at Olympic Studios, London, England in October 1968. Rising from the ashes of his old band the Yardbirds, session guitarist Jimmy Page formed Led Zeppelin, one of the most powerful, influential, and enduring British bands to emerge in the '60s. Despite the presence of such classic thrash-o-ramas as "Good Times Bad Times" and "Communication Breakdown," what set Led Zeppelin apart was the depth and range of their music. Their sound was bathed in the blues, from rootsy covers of Willie Dixon's "You Shook Me" and "I Can't Quit You Baby," to the crunching rhythm changes of "Dazed And Confused." Few guitarists before or since possessed Page's sense of pacing and dynamics, as exemplified by the traditional acoustic folk elements framing the arena gestures on "Babe I'm Gonna Leave You," and the raga-flavored acoustic mystery of "Black Mountain Side." These elements would continue to evolve on subsequent albums, leading to some of Led Zeppelin's greatest moments.
Atlantic Records 1994 remastered reissue of 1969 album.

PASCOAL MEIRELLES - QUARENTA (2006)

Músicos:

Faixas:

Não toco nenhum instrumento, mas sempre achei que de todos eles a bateria é o mais difícil de se pilotar. Dois músicos brasileiros me encantam pela maneira própria de encarar batera e baquetas com naturalidade absoluta, como se estivessem fazendo o serviço mais fácil do mundo. Um é Wilson das Neves. O outro é Pascoal Meireles (importante registrar que os dois são também compositores), que está de disco (ótimo!) novo na praça. Quarenta se propõe a mostrar “o melhor” (devem ter tido enorme trabalho) do Pascoal Meirelles Trio, do Pascoal Merelles Sexteto e do grupo Cama de Gato. De lambuja, uma participação especialíssima do trumpetista Cláudio Roditi. O CD, que tem canções de Pascoal e de compositores homenageados do naipe de Tom Jobim, Edu Lobo e Luis Bonfá, traz milhares de notas preciosa e uma nota triste: o texto enxutíssimo de apresentação (o último que ele fez), assinado pelo querido Roberto M. Moura, faz a gente sentir uma grande saudade dele. (Luís Pimentel)

Mestre da bateriaUm dos maiores bateristas do Brasil, Pascoal Meirelles lança disco resumindo trajetória de 40 anos

O mineiro Pascoal, co-fundador do lendário grupo Cama de Gato, contribuiu com grandes artistas da MPB: `Música é um esporte coletivo´
Sabe aquele arranjo de bateria cheio de suingue que permeia a canção Madalena, composição de Ivan Lins, estrondoso sucesso na voz de Elis Regina? Tem a marca de Pascoal Meirelles. E o inconfundível balanço de O que é o que é, clássico do repertório de Gonzaguinha? A base rítmica é invenção de Pascoal. Escadas da Penha, famosa parceria de João Bosco e Aldir Blanc? Outra vez a contribuição inconfundível do baterista mineiro, que acaba de lançar o CD Quarenta que, como o nome sugere, comemora quatro décadas de lida com as baquetas.
O disco faz um apanhado da carreira do instrumentista através de três diferentes aspectos da sua sonoridade, representados pelo lendário Cama de Gato (grupo do qual é co-fundador, e que inovou nos anos 80 ao tocar apenas composições próprias), e os mais recentes Pascoal Meirelles Sexteto, criado há 10 anos, e o Pascoal Meirelles Trio, reunido há três.
"O Trio remete aos anos em que comecei a tocar bateria, muito fascinado pela Bossa Nova. No Sexteto, desenvolvi meu trabalho como compositor e arranjador. No Cama, exerço a democracia no pleno sentido da palavra, somos todos compositores e cada um apresenta seu trabalho com a leitura de grupo", delineia Meirelles.
Além das composições próprias (escreveu metade das 14 faixas do disco), Pascoal homenageou grandes autores da MPB com músicas cuja interpretação demanda do baterista muita habilidade.
É o caso de Manhã de Carnaval (Luís Bonfá/Antonio Maria), Ponteio (Edu Lobo/Capinan), Porque também não fui (André Neiva) e Nuvens douradas, Triste, Chovendo na roseira, Brigas nunca mais, estas últimas de Tom Jobim. Todas emanando o estilo de Meirelles, marcado pela combinação de MPB, jazz e Bossa Nova. "Sou filho do samba-jazz", resume, referindo-se ao ritmo popularizado com a BN.
O baterista contou com as participações de Cláudio Roditi (trompetista brasileiro radicado nos Estados Unidos há mais de 30 anos) e de Mingo Araújo - percussionista potiguar com quem divide o lado rítmico das composições. Escritas em diferentes épocas, as músicas receberam uma leitura "ano 2000", brinca Meirelles.
Só e acompanhando - Pascoal Meirelles se orgulha de ter contribuído para o êxito de grandes artistas da MPB. "Me satisfaz muito fazer sucesso junto com o artista. O trabalho do acompanhante é muito difícil também porque o sucesso de uma música depende da levada que a gente está fazendo", pontua Pascoal, que já acompanhou muita gente boa como Paulo Moura, Wagner Tiso, Maysa, Chico Buarque, Danilo Caymmi, Edu Lobo, Luís Bonfá, Cláudio Roditi, e gravou Terra Brasilis, álbum duplo lançado em 1980, no qual o maestro Tom Jobim registrou os maiores sucessos da carreira.
Mas foi somente após a morte de Gonzaguinha, há 15 anos, que Pascoal decidiu dedicar-se exclusivamente à carreira solo e ao trabalho com o grupo Cama de Gato e, em seguida, com o Pascoal Meirelles Sexteto e o Pascoal Meirelles Trio. O baterista lembra que, já naqueles anos em que acompanhava Gonzaguinha - foram 12 anos de trabalho juntos - o cantor e compositor não criava problemas quando o instrumentista precisava dar um tempo na banda e fazer seus próprios shows solo ou com o Cama de Gato. "A partir daí a música instrumental virou meu ganha-pão", lembra o músico, que estudou no renomado Berklee College of Music, em Boston (EUA).
Solando ou acompanhando, Pascoal está igualmente satisfeito. Até porque preza muito o aspecto coletivo do seu trabalho. "Música é um esporte coletivo. Não dá pra fazer sozinho. Você pode ser um bom solista, mas tem que estar dentro do contexto para que a música tenha apelo e seja mais inteligível", determina.
Batidas diferentes - Meirelles escolheu seu instrumento um pouco por timidez, por não gostar de aparecer, mas também por ter se sentido atraído pelas diversas alternativas oferecidas, apesar das limitações em termos de frases melódicas e timbres. À medida que foi dominando a bateria, vieram naturalmente a vontade de compor e seguir a carreira solo.
"A bateria é um instrumento de infinitas possibilidades. A cada dia surgem novos bateristas com diferentes formas de tocar. O instrumento tem tudo para inovar no lado polirítmico. O baterista tem dois braços e duas pernas e, se levar a sério essa coordenação, pode conseguir formas de tocar surpreendentes", diz, citando, como exemplo, o baterista cubano Horacio (El Negro) Hernandez, considerado um virtuoso pela sua ambidestria.
Pascoal se sente satisfeito quando é listado entre os mais importantes bateristas brasileiros, mas não assume o título. "Eu curto isso, fico feliz, mas minha preocupação maior é desenvolver o instrumento e a minha música dentro dele", ameniza o músico, que acaba de lançar o DVD Triunvirato, no qual apresenta suas composições para três baterias, tocando ao lado de Carlos Balla e Kleberson Caetano. Este mês, Pascoal e seus companheiros de Cama de Gato gravaram, no Rio de Janeiro, o DVD comemorativo dos 20 anos de carreira do grupo, contados a partir do lançamento do primeiro disco Cama de gato (1986), "um retrospecto da carreira com os sucessos do Cama gravados em seis discos". (Giovanna Castro)

EDISON MACHADO - É SAMBA NOVO (1963)

Abaixo uma crítica do Tárik de Souza.

A bossa nova trouxe os instrumentistas para o primeiro plano e alguns viraram estrelas do movimento como o baterista Edison Machado (1934-1990) à frente de uma big band de arrepiar nesta obra prima. Mesmo sem a data, esta reposição do disco nas lojas reproduzindo a contracapa original (ele já tinha sido lançado na série Mitos & Músicas, sem informação nenhuma) por inciativa do produtor Charles Gavin, dos Titãs, deve ser recebida com foguetório. Os estonteantes arranjos são do maestro Moacyr Santos, um mestre no uso de sopros (um dos muitos pontos fortes da gravação), de J.T Meireles, flautista, sax-alto e tenor, lider dos Copa 5 e do clarinetista e saxofonista Paulo Moura. Encarregam-se dos trombones Maciel (de vara) e Raulzinho (mais tarde Raul de Souza, no de válvula) e o trompete é o então promissor Pedro Paulo, que na época já tinha tocado com o jazzista Cannonball Adderley. Na cozinha, o pianista Tenório Junior, anos depois tragado pelos porões da ditadura argentina, o baixista Tião Neto e o soberano do samba chiado nos pratos, o próprio Edison Machado. Ele lidera a condução com pulso forte, como demonstra nos solos incandescentes (mas sempre adequados) de Você (Rildo Hora/ Clovis Mello).Em outras faixas, como Menino Travesso (Moacyr Santos/ Vinicius de Moraes), pontuado por escalas rítmicas do piano de Tenório, ele dialoga diretamente com improvisos de Meirelles e Maciel, num arranjo de arquitetura ousada de Moacyr Santos. Deste também é a massacrante abertura com sopros circulares e a bateria surrando os pratos antes da entrada do absurdo solo de trombone de Raulzinho. Na sua vez, Edison cavalga os couros e vocaliza a porrada como um alucinado. O sax melífluo de Paulo Moura em Só Por Amor (Baden Powell/ Vinicius de Moraes) traça a linha de suingue permeada pelo trombone de Raulzinho. Mantendo o espírito rural (e o formato recorrente) do título, Aboio (J.T. Meirelles) abre a cortina para solos do autor e do trombone límpido de Maciel num climax de tirar o fôlego. A riqueza da combinação de timbres e as ardilosas harmonizações deste disco só fazem pensar que nem sempre o tempo anda pra frente. Em relação a tanto atraso lançado depois, o Edison Machado deste disco é que continua mandando o verdadeiro samba novo.(Tárik de Souza)

SECOS & MOLHADOS - SECOS & MOLHADOS (1973)

Ney Matogrosso (vocal), João Ricardo (vocal, violões de 6 e de 12 cordas; harmônica de boca), Gerson Conrad (violões de 6 e de 12 cordas, acompanhamento vocal) + Marcelo Frias (bateria e percussão), Sergio Rosadas (flautas transversa e de bambu), Zé Rodrix (piano, sintetizador, acordeon, ocarina), John Flavin (guitarra), Willie Verdaguer (baixo) e Emilio Carrera (piano).

Faixas:
Sangue latino
O vira
O Patrão nosso de cada dia
Amor
Primavera nos dentes
Assim Assado
Mulher barriguda
El rey
Rosa de Hiroshima
Prece cósmica
Rondó do capitão
As andorinhas
Fala

Texto da Wikipédia.

No dia 23 de maio de 1973, o grupo entra no estúdio "Prova" para gravar - em sessões de seis horas ao dia, por quinze dias, em quatro canais – seu primeiro disco que vendeu mais de 300 mil cópias em apenas dois meses, atingindo um milhão de cópias em pouco tempo.
Os Secos & Molhados se tornaram o maior fenômeno da música popular brasileira, batendo todos os recordes de vendagens de discos e público. Em fevereiro de 1974, fazem um show no Maracanãzinho que bateu todos os índices de público jamais visto no Brasil. Em agosto do mesmo ano, é lançado o segundo disco e João Ricardo decide reciclar os integrantes da banda.

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